Вы здесь

Урок по курсу "Мировая художественная культура" по теме "Художник и окружающий мир"

 

Урок по курсу "Мировая художественная культура" в 10 "А" классе ГОУ СОШ № 838 ЮОУО г. Москы 28 сентября

2011г. по теме "Художник и окружающий мир"

 

На фото: Мария Базарнова и Дегтярёва Надежда Сергеевна.

 

Первобытное искусство: искусство существует не как источник морального и эстетического удовлетворения. Люди пишут картины, создают скульптуры, поют песни, танцуют, выполняя ритуалы. Это являлось картины мира древнего человека: считалось, что если не провести определённые ритуалы, которые являются традицией уже сотни поколений, время остановится – начнётся конец света. К тому же нельзя забывать про многочисленных богов, которым нужно было принести жертвы, молить у них помощи и поддержки. Например, все вы наверняка видели древние наскальные изображения животных. Эти изображения создавались, вероятнее всего, с целью привлечения удачи на охоте: существовал ритуал, при котором в нарисованное животное кидали копья, что, конечно, должно было способствовать успешному убийству реального зверя. Также своё влияние оказало цикличное восприятие времени. *Объясняю, что значит, «цикличность»* То есть люди должны были помочь миру возродиться, чтобы не наступил конец света. Ритуал, а соответственно и различные изображения, скульптура, играли в этом свою роль.

Древний Восток.

Египет. Египтяне считали, что все предметы Вселенной единосущны, то есть предмет можно заменить таким же предметом. Другими словами, Бог есть там, где его сущность реализовывается. Отсюда многочисленные изображения богов. К тому же фараон обожествлялся. Исходя из мировоззрений египтян, мировой порядок зависел от того, как человек служит богам. О индивидуальности не могла быть и речи. Каждый человек являлся хему фараона, то есть был его частью. Согласно представлениям древних египтян, изначально был только хаос, потом боги создали вселенную, установили порядок, а значит, для поддержания жизни Вселенной нужно жить по этому порядку, по правилам, которые установили боги. Поэтому не могло быть и речи о каких-то заговорах или попытках фараона свергнуть.

Египет вырабатывает свой канон (свод правил) изображения людей, богов и окружающий мир: фараон значительно больше других людей; плечи в анфас; у фараона нет эмоций, он спокоен; мужское тело было загорелым, женское тело – белым, глаза подводились и у тех, и у других, у женщин изображались парики.

(Гробница Нахта: сцена пира – 15 в. до н.э.. Эпоха Нового царства, которая длилась с н.16 до к. 12 в до н.э. Плечи в анфас, лица в профиль, но уже появляется изображение лиц в анфас! Далее, реформа Эхнатона – появляются портретные черты).

Шумеры. У шумеров боги были гораздо более антропоморфными (то есть, очеловеченными), нежели у Египтян. Если у последних боги даже выглядели иначе, чем люди: у них были головы зверей, например сколов или крокодилов – то у шумер боги предстают обычными, по сути своей людьми, только бессмертными и гораздо более могущественными. Боги Месопотамии выглядели как люди, вели себя как люди. В шумерских мифах не говорится о том, что боги непогрешимы и идеальны. Их мудрость ставится под сомнение. Наоборот они совершают необдуманные поступки, которые несут серьёзные последствия, как для людей, так и для них самих. Одним из таких приступов «божественной истерики» объясняли шумеры Великий Потоп. По этим же причинам богов предпочитали не злить: совершали все ритуалы, приносили им жертвы и т.п. Но места индивидуальности так же оставалось не много. Если ты не был царём или жрецом, то шансов прославиться или просто «показать себя» не было.

Стела Эанатума иллюстрирует военные действия между городами Ладош и Урма (Ладош победил). Здесь появляются попытки создания множественности численности войск (много рук, ног, копий). Можно заметить, что отсутствует прорисовка образов, личностей. Все воины типизированы – у них одинаковые лица, глаза без зрачков. То есть сразу бросается в глаза отсутствие выраженной индивидуальности у людей. На обратной стороне стелы изображен Имбирсу (бог Ладоша), который держит побеждённых в сети. Лик божества бесстрастен. Показана внутренняя мощь. Художник не стремится передать эмоции, страсти.

Античность. В Древней Греции же всё обстояло ровно наоборот. Характерной чертой греческой культуры с момента её зарождения было агонистическое начало, то есть соревновательное. Это выражалось во всём. Каждый полис старался доказать, что он лучший, от этого берут начало и известные нам Олимпийские игры. Но соревновательный характер проявлялся у греков не только в спорте. Каждый человек пытался доказать, что он лучший в своём деле. Так, например, поэты соревновались на дионисиях – прародителях современного театра.

Особенностью древнегреческой культуры является её телесность. Греки считали, что Космос, противопоставляется Хаосу, при этом Космос мыслился как нечто телесное, гармоничное, а хаос – как нечто неоформленное. Поэтому греки всегда стремились к внешнему выражению гармонии, идеала, пытаются создать образ идеального человека. В этом стремлениях к созданию идеального человека, греческое искусство типизирует личность: все герои выглядят одинаково, т.к. они идеальны, гармоничны. Это мы можем наблюдать в произведениях искусства периода Классики (5-4 вв. до н.э.), который считается временем наибольшего культурного расцвета Греции. Наиболее ярко этот период представлен скульптурой и монументальной архитектурой, сохранившейся и по сей день. (Поликлет: «Дорифор», Венера Милосская; Мирон: Дискобол, ).  В них как раз наиболее полно отражается стремление греков к гармонии, идеалу. А вот живопись сохранилась только на вазах. Первый, чернофигурный стиль, где черным лаком наносилось изображение на красный фон – цвет обожженной глины. Самым ярким представителем греческой чернофигурного стиля является Эксекий (Афины). (Дионисий в ладье). Также существовал краснофигурный стиль: черным лаком закрашивали фон, фигуры – цвета обожженной глины. (Артемида и Актион)

Средневековье: Средневековье большинство ученых называют темными веками, временем упадка. С одной стороны, это обоснованно. Так как пришедшие с севера варвары не могут перенять культуру развитой Римской Империи, которую они захватили и, по сути, уничтожили. А взамен не могли дать ничего, так как значительно отставали в развитии. Но и здесь была своя богатая культура.

Если в Греции, странах Древнего Востока картина мира определялась язычеством, а в Греции ещё и осложнялась различными философскими учениями, то в средневековой Европе картина мира была религиозной, христианской. Все заказы на произведения искусства поступали, как правило, из церкви. Основные мотивы и образы живопись черпала из Библии, библейских сюжетов. Появляется такое направление живописи как витражи, то есть живопись по стеклу.

Возрождение. Постепенно осуществляется переход к Возрождению или Ренессансу от Бога – центра мира, к человеку – центру мира. И осуществляется этот переход в Италии. Обусловлено это было тем, что Италия являлась центром международной торговли, что способствовало росту городов, а это в свою очередь привело к формированию нового менталитета, менее завязанного на религии. Там появляется светское искусство, не только религиозное.

Первый период Возрождения – Проторенессанс (12-14 вв.). Это, так сказать, «Предвозрождение» и период этот существовал только в Италии. Ярчайшим его представителем был Джотто (1266-1337). В его фресках впервые появляется свет и тень, то есть он делает попытки сделать изображения объёмными. Очень важны также его попытки найти перспективу, хотя это ему и не удаётся, но уже создается некоторый эффект реалистичности, появляется объём. Пропорции не соблюдены (Возвращение Иоакима к пастухам – дом гораздо меньше Иоакима, тот не сможет войти в дом). Характерна для Джотто, и для всей Флорентийской школы, к которой он принадлежал, типизация личности, что является отсылкой к Античности. Также во фресках Джотто проявляется жанровое начало (в религиозных темах!), например на фреске «Брак в Каннах» пир изображается как вполне реальный пир. Живопись Джотто о человеке и для человека – это и есть главное проявление антропоцентризма.

Второй этап Возрождения – Раннее Возрождение (15в.). Художников этого периода условно можно разделить на «теоретиков» и «рассказчиков». «Теоретики» изучали искусство, думали, как построить пространство, искали перспективу, экспериментировали с различными ракурсами. Один из них – Доменико Венециано (1405-1461) (Поклонение волхвов) – впервые начинает использовать масляные краски. Это позволяло добиться более ярких красок, к тому же, так как масляные краски наносятся тонким слоём, это позволяло добиться различной глубины цвета. То есть «теоретики» добивались реалистичности изображения посредством практики, изучения свойств света и цвета. «Рассказчики» же действовали иначе: они обмирщали искусство, иначе говоря, приводили святых персонажей к человеческой реальности. Один из самых выдающихся «рассказчиков» - это Фра Филиппо Липпи (1406-1469). (Мадонна Тревульцио -1432) Вместо ликов он пишет человеческие лица. У его ангелов нет крыльев или нимбов – они похожи на обычных детей, а их внешняя схожесть с Богоматерью приводит к мысли, что они её дети. Таким образом, когда-то священный образ, икона, превращается в семейный портрет.

Самым же важным художником Раннего Возрождения был Пьеро делла Франческа (1416 -1492). Он принадлежал к числу теоретиков, и его выдающееся достижением стало объединение перспективы (глубины), светотеневой моделировки (объём) и цвета. Крещение Христа для алтаря Сансепольро. Художник распределяет персонажей зигзагообразно, чтобы показать глубину пространства. Он создаёт локальный свет, то есть при изображении одного цвета использует оттенки для создания объёма, хотя  в реальности цвет один. Впервые предметный цвет передаётся не одним цветом, а всем спектром.

Последний период Возрождения – Позднее Возрождение (16в.). Именно в это время живут и творят, так называемые, Титаны Возрождения: Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело.

Я более подробно хочу остановиться на Леонардо да Винчи (1452-1515), который является самый старшим из титанов и, наверное, самым значительным. Именно он даёт начало психологическому искусству. Его искусство не обмирщается принципиально: все события не реальные, не земные. В своих произведениях он демонстрирует новые принципы построения композиции, наложения теней, выделения глубины. Во-первых, Леонардо создаёт тенебризм – преобладании тени на картине, посредство чего достигался эффект таинственности, загадочности, плюс объём, достоверность. Этот приём был характерен для всего его творчества. Также он создал свето-воздушную перспективу, то есть он пришёл к выводу, что частицу воздуха  перекрывают объект, следовательно, чем дальше объект, тем его контур более размытый. Таким образом, ему впервые удалось изобразить воздух: контуры предметов вблизи более четкие, вдали – более размытые. Леонардо использует ещё и тональную перспективу, т.е. объект чем дальше, тем более холодными цветами изображен: дали становятся голубоватыми. Также достичь глубины, объёма он сумел благодаря тому, что вписывал фигуры в пирамиду – это объёмная фигура, а значит, создаётся эффект глубины.

Своими произведениями Леонардо даёт начало идеальному искусству. Очень важной деталью во всех работах Леонардо является полуулыбка персонажей: он пытался найти абсолютную человеческую гармонию, хотел изобразить прекрасную, чистую человеческую душу. Также характерной чертой его творчества было изображение в картинах взаимоотношений человека и природы. Например, в «Мадонне в гроте» персонажи неотделимы от природы, что говорит о том, что человек не сможет управлять ею. Однако в Джоконде фигура девушки заметно доминирует над природой в композиционном отношении. Леонардо показывает нам этим: человек властвует над миром.

Во время Позднего Возрождения в Европе, как альтернатива обмирщенному искусству возникает маньеризм. Маньеризм действовал в рамках Контрреформации. *Реформация – протесты народных масс против догматов церкви, против Индульгенций, т.е. покупки прощения грехов. Контрреформация – ответные действия церкви для возвращения паствы.* Очень важна для маньеристов была индивидуальность, творческий почерк, манера письма. Главным в изображении был принцип суъективности – то есть каждый изображал мир так, как он его видел. Маньеристы сознательно искажали пропорции и отказывались от перспективы.

Самыми интересными на мой взгляд являются работы Пармиджанино (1503 -1540): «Автопортрет», на который нужно смотреть, приставив выпуклое зеркало, тогда оно выглядит правильно,  и Мадонна с длинной шеей, которая является эталоном маньеризма: в ней Пармиджанино превращает метафоры в реальные образы.

До этого мы рассматривали Итальянское Возрождение, но нельзя оставлять без внимания и Северное Возрождение, которое было не менее ярким и впечатляющим. Если в Италии была Античность, которой стремились подражать, то на севере её не было. Её не принимали. У них нет той теоретической базы, которая помогала итальянцам в написании картин, они просто пытаются рисовать так, как видят. Для севера был характерен пантеизм, то есть обожествление всего сущего.

Наверное, самым необычным и одним из самых ярких представителей Северного Возрождения является Иероним Босх (1453-1516). Его главной целью при написании картин было показать что будет, если люди не будут выполнять заповеди. Все картины Босха были глубоко религиозными, наидательными. («Сады земных наслаждений», «Семь смертных грехов», «Операция по удалению камней глупости»).

Своеобразным Леонардо Северного Возрождения можно назвать Дюрера (1471-1528). Он был единственным художником северной Европы, который писал трактаты. Так как в Германии, как во всей Европе, проходит Реформация, из-за присущего этому явлению характера гражданской войны, страна начинает бродить. И Дюрер не оставляет это без внимания. В гравюре «Меланхолия» (1514) много символов, горящих о его думах по поводу происходящих событий, о его душевных переживаниях.

И так как времени осталось немного, я бы хотела далее остановиться ещё на нескольких моментах.

Очень важным направлением в искусстве, тем более в живописи, стал Импрессионизм (последняя треть 19 – н. 20вв.). Название направлению дала картина Клоде Моне «Впечатление. Восходящее солнце». Изначально этих художников назвали «импрессионисты» чтобы оскорбить, так как посчитали их слишком дерзкими и вызывающими. Очень важно было, что они бросили вызов обществу: до этого живопись являлась привилегией высших слоёв общества, а они не угождали высшему обществу, но и не стали в оппозицию к этому обществу. Своё внимание они сосредоточили вовсе не на философских или моральных проблемах: смысл их творчества состоял в том, чтобы ловить момент, рисовать эмоции. Представителями импрессионизма являлись Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Эдгар Дега и другие.

Сюрреализм – одно из самых загадочных направлений искусства. Своей целью ставили раскрепощение подсознания, главенство творческих сил над разумом. Главным представителем сюрреализма можно назвать Сальвадора Дали (1904-1989). И если картины Дали были похожи на сон, но с точно прорисованными яркими образами, то у некоторые сюрреалисты писали откровенную абстракцию, так как в своих попытках освободить творческое начало, «отключали» разум, логику. Творчество сюрреалистов открыло дорогу другим абстрактным видам искусства, облегчив их восприятие.

Комментарии

Аватар пользователя Nixx

Хех... Моя школа...
Аватар пользователя Irinne

Твоя))